团体舞和表演舞都是在双人舞蹈的基础上缔造的视觉磁场，吸附着各种时尚元素，像精神领袖，会在摄影师、舞蹈者、欣赏者都置身其中时，发出无声的召唤，所有感应到信号的相机、镜头、快门之类的机械组件都能拼凑出一个个绚烂的画面，成为无法复制的视觉盛宴。不为任何人摇旗呐喊，也不歌颂谁，有许多理念供我们借鉴。

编排就像给表演者设计软件
（李跃辉，国际级裁判）
团体舞也好，表演舞也好，表演者的技术能力是一切的基础。如果将表演者看做电脑的硬件，那么编排就像软件，如果没有强大的硬件支持，再好的软件也难以运转开来，达到最佳效果。

以什么标准选择表演者一直就是团体舞编导最头疼的问题，不仅要考虑技术和能力，还必须考虑到身高、体型等体貌特征。在选择表演者时要选择技术能力较强的人，这样在编排的过程中，编导对技术动作的选择面才能更广。

舞蹈者就是一副硬件，编排就像给这个硬件安装软件，要根据硬件的等级和品质安装。在团体舞中，技术水平最低的演员就像木桶的短板，他能力的极限会成为整个舞蹈技术难度的顶峰，一旦他们发挥得不好，整个作品的品质无法想象。直白地讲，他们抑制了创编给团队带来的能量，是需要“淘汰更新”的硬件。

在表演舞方面，通过舞者本身的能力，编舞时要尽可能地运用到他们所擅长的技术技巧，创编的初衷就应该以此为依据，软度和开度也是制约表演效果的重要因素。另外，表演舞需要时间进行打磨，音乐和道具也是必不可少的重要细节。有时候，细节上的疏忽会影响最终的展示效果，比如第五届全国体育舞蹈团体舞及表演舞锦标赛中引人关注的《风火柔情》中的“玫瑰”，最开始创作时我们想用新鲜的红玫瑰，后来考虑到表演中头部的移动很频繁，具有相当的力度和速度，才确定使用塑制花，然后再经过反复试验将花枝剪到最适合的长度，避免划伤演员面部。

编舞是不断选择的过程
（石琳，北舞附中拉丁舞教研室主任）
在我看来，舞蹈编导和舞蹈演员的关系就和电影导演和演员的关系一样，导演是一度创作，演员是二度创作，两者唯一的区别就是传递内容的语言不相同。

优秀的编舞创意就如同一个好剧本，需要反复琢磨修改，在不断的观摩、学习和借鉴中逐步完善，绝不可能一蹴而就，很多作品成型后会与最初的创意有较大的差异，因为编舞的过程就是不断选择和淘汰的过程。

编导们经常会碰到这样的问题：学生带着自己的想法和创意寻求指导和帮助。这与“导演是一度创作”相违背，但现实中这种情形最普遍，最考验编导的编舞能力。我觉得无论什么主题的舞蹈，都必须设定一些故事情节，即便是无法展现一个完整的故事，也必须传递出一种情绪。同时，所采用的动作要与主题和情绪相吻合，这里包含两个层次：第一个层次是动作的外部形态，第二个层次更进一步，动作要传达与主题相符的情绪。

总体而言，完成一个舞蹈作品必须具备四个要素：创意、演员、音乐和时间。前三者很好理解也较容易办到，时间才是最难的一个环节，几乎所有优秀的作品都经历过长期的雕琢打磨。另外，并不是优秀的编导就一定能编创出优秀的作品，因为作品需要演员来呈现，所以编导必须选择合适的演员，否则两者之间必定会产生冲突，个人能力越强的演员越难和编导合作——他们对舞蹈有独特的体会。

创意比技术更重要
（严畅，武汉市体育舞蹈学校教师）
捕捉灵感（创意）——选择或创作音乐——设置剧情——创编动作——后期雕琢修饰，这是我进行舞蹈创编时的一整套系统。

灵感和创意是所有内容的起点，直接反映着舞蹈的主题以及能够达到的舞美程度，创意和灵感的选择不能由编导单方面决定，因为作品最终是由演员来演绎，而不是编导。在编舞工作正式开始前，吸取表演者的意见，根据他们的能力和人生阅历来确定主题，选择合适的创意会使后续的创作更顺利合理。从某种意义上讲，创意比技术更重要。

创意、音乐和情节的联系非常紧密，主题不鲜明、音乐毫无特点不利于表演者展现，而舞蹈的情节是不是和音乐丝丝入扣，能不能展现出最初的创意、传达编导的意图是吸引观众的关键。打动情绪比吸引眼球难，但效果却会更好，大起大落、戏剧冲突明显的舞蹈更容易获得观众的青睐。

扬长避短是很重要的编舞原则，但有时体育舞蹈的表演形式会对创意的表达有一定的拘束，吸纳其他舞蹈元素、运用道具是比较有效的方法。不过，编舞最难的是借用其他舞种，将其他舞蹈和体育舞蹈融合在一起是很困难的，尤其各个舞蹈的比例，怎样做才能不脱离体育舞蹈，这种无形的东西很难把握，需要通过大量的实践进行摸索。道具在舞蹈中不能成为死物，也应具有意义，它们有时会成为整个舞蹈的焦点。

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